Mientras los clientes de las boutiques de lujo en París, Milán y Nueva York admiran las prendas de diseñadores consagrados, existe un universo paralelo de manos expertas trabajando en talleres de Mumbai, Jaipur y otras ciudades indias. Durante cuatro décadas, esta estructura invisible ha sostenido gran parte de la industria de la moda de lujo global, un fenómeno que recién ahora comienza a salir de las sombras. Lo que sucede es que la maestría artesanal india, acumulada durante generaciones en técnicas que remontan a épocas medievales, ha sido el combustible secreto detrás de algunas de las colecciones más codiciadas del mundo, sin que quienes compraban estos productos supieran realmente de dónde provenía su verdadera belleza.
El detonante de este cambio de paradigma tiene rostro: Karishma Swali, una mujer de 49 años que conduce Chanakya International, un taller de textiles y bordados radicado en Mumbai que este mes celebró su cuadragésimo aniversario. La institución no es cualquier cosa. Swali heredó una operación que su padre estableció durante los años ochenta, en momentos en que la costura de lujo occidental apenas comenzaba a explorar las posibilidades que ofrecía la artesanía oriental. Hoy, Chanakya mantiene una red de 1.400 artesanos, algunos de los cuales representan la decimotercera generación consecutiva de maestros de su oficio. Estos trabajadores dominan cientos de tradiciones distintas de bordado, desde técnicas que datan de la era Mughal hasta procedimientos contemporáneos que fusionan lo ancestral con lo moderno.
Cuando la tradición se vuelve tendencia
La visibilidad de esta mano de obra llegó a un punto de quiebre el año pasado. Christian Dior realizó un desfile en la Puerta de la India de Mumbai, donde showcaseó su asociación directa con Chanakya, un acto que funcionó como reconocimiento formal de lo que la industria había estado haciendo de manera encubierta. Las prendas que caminaron por esa pasarela llevaban la firma de India en cada punto de aguja: faldas inspiradas en saris, conjuntos en madras a todo color, chaquetas con cuello Nehru. Pero esta colaboración no fue un acto de filantropía corporativa, sino el resultado de décadas de trabajo previo. Swali lo explica con claridad contundente: "Lo que tenemos como país es único. Es incomparable en muchos sentidos, y es el único lugar del mundo donde seguimos practicándolo con esta profundidad".
El resurgimiento de ciertas técnicas olvidadas marca el proceso. Entre ellas, los encajes de filigrana de plata de la era Mughal, conocidos como orchaan y jaal, fueron reintroducidos en una versión más liviana que desde entonces se ha convertido en un elemento frecuente en las colecciones de alta costura internacional. Esto no sucedió por casualidad, sino por un conocimiento técnico experto transmitido y refinado a lo largo de siglos, un proceso que requiere soporte institucional para no desaparecer. El Instituto Kalhath, un centro de preservación de artesanías ubicado en Lucknow, funciona bajo este esquema: empareja a artistas de distintas partes del mundo con maestros locales en residencias de trabajo colaborativo. Su cofundador, Mohammed Amine Dadda, describe la cualidad distintiva de la maestría india como la "inteligencia de la mano": un procedimiento sensible, lento y acumulativo que reposa sobre la paciencia y la destreza sin límites. "Sin este dominio técnico y el tiempo considerable que requiere fabricar las piezas más exigentes, la alta costura y el lujo contemporáneo simplemente no podrían materializar sus visiones creativas más ambiciosas", afirma.
Joyas, motivos florales y la lengua universal del arte
La maestría no se circunscribe al textile. En el rubro joyería, las marcas de lujo globales han buscado durante décadas a The Gem Palace, una casa joyera basada en Jaipur que fue establecida en 1852 por la familia Kasliwal, que continúa dirigiéndola. Samarth Kasliwal, quien a los 33 años representa la tercera o cuarta generación de esta estirpe de joyeros, identifica parte del atractivo en el lenguaje visual propio del arte indio. "Hay algo en la artesanía india que está inspirado por la naturaleza", comenta, señalando el uso recurrente de patrones florales y animales que atraviesan toda la tradición artística india. Estos motivos poseen una universalidad que trasciende fronteras culturales y lingüísticas. Una colaboración reciente que enorgullece particularmente a Kasliwal es una colección para Dior que presenta ónice verde y cuarzo cristal, grabados con pájaros, animales y flores. Esa combinación, explica, recuerda a la joyería india tradicional al mismo tiempo que extrae técnicas que siguen siendo centrales en el trabajo del atelier contemporáneo.
Sin embargo, la visibilidad creciente ha arrastrado consigo una pregunta incómoda: ¿quién recibe el crédito y quién cosecha los beneficios? En las últimas semanas, la marca Ralph Lauren enfrentó críticas cuando se reveló que un vestido de su colección primavera 2027 lucía bordados que guardaban un parecido notable con el zardozi indio, técnica centenaria de incrustación de hilos metálicos, pero sin mención alguna a su origen. Simultáneamente, Fendi fue cuestionada cuando usuarios en redes sociales notaron que una cartera baguette de su colección otoño-invierno presentaba el espejismo característico de las artesanías de Gujarat. Aquí comienza a tejerse una narrativa más compleja: en abril, Fendi acreditó a artesanos de Chanakya en un video de redes sociales que mostraba el mismo bordado, pero la descripción del producto en su sitio web no mencionaba inspiración india alguna, y la etiqueta final rezaba "Made in Italy". Solo después de una consulta directa, la marca ajustó su comunicación a "Made in Italy and India with Chanakya".
Este patrón no es nuevo ni aislado. Hace poco más de un año, Prada fue acusada de apropiación cultural cuando lanzó sandalias inspiradas en el estilo Kolhapuri, un calzado tradicional con siglos de antigüedad. Aquello disparó una respuesta estructurada: Lorenzo Bertelli, responsable de responsabilidad social corporativa en la casa italiana, reconoció en una carta a la cámara de comercio de Maharashtra que las sandalias estaban "inspiradas en calzado tradicional indio hecho a mano, con un patrimonio de siglos". La consecuencia fue una asociación con organismos respaldados por el estado en Maharashtra y Karnataka para producir una colección de edición limitada fabricada en India, junto con un compromiso de programa de capacitación de tres años para artesanos especializados en el oficio.
¿Un cambio de orden mundial en la moda?
¿Podrían estas colaboraciones, controversias y correcciones señalar un cambio genuino en el lugar que ocupa India dentro de la industria de la moda? La antropóloga Phyllida Jay, autora de un estudio sobre cómo India transformó el diseño global, sugiere que sí. Ubicando el debate en un arco histórico más amplio, observa que "la historia de talleres que producen artesanía india altamente especializada dentro del reino elevado de la moda y la alta costura es parte de un cambio de paradigma más amplio, donde más de 70 años después del fin del dominio colonial, India es observada de manera diferente en el escenario mundial". Se trata, en cierta medida, de una inversión: pasar de un legado colonial de extracción hacia uno en el cual los propios indios tienen voz en cómo se representa su oficio.
Swali trabaja incansablemente para garantizar que esta visibilidad perdure en el tiempo a través de iniciativas institucionales. En 2016, fundó la Chanakya School of Craft, un programa de 18 meses que ofrece capacitación gratuita en bordado y un estipendio de viaje a docenas de mujeres. Algunas de ellas han continuado trabajando en el atelier principal; otras han establecido estudios independientes. El espacio funciona dentro de un rascacielos en Lower Parel, donde adolescentes de apenas 18 años aprenden puntadas intrincadas junto a abuelas en sus sesenta. "La artesanía en India nunca ha sido institucionalizada", reflexiona Swali sobre la filosofía detrás de la iniciativa. "Es intergeneracional. Y las mujeres, históricamente, han estado excluidas". Este reconocimiento de las brechas estructurales subraya que la cuestión no es solamente obtener crédito en etiquetas de producto, sino construir ecosistemas donde la próxima generación de artesanos tenga oportunidades económicas reales y reconocimiento social.
Lo que está en juego trasciende lo comercial. Durante más de un siglo, la industrialización occidental desplazó a los artesanos indios de sus mercados locales y globales. Luego, la moda de lujo redescubrió estas técnicas, pero manteniéndolas en la sombra, como ingredientes secretos. Ahora, a medida que las marcas internacionales enfrentan presión por transparencia y autenticidad, emergen preguntas sobre compensación justa, crédito cultural y distribución equitativa de ganancias. Algunos ven en estos cambios el inicio de una restitución histórica, otros advierten que sin regulación clara sobre etiquetado de origen y normas de trabajo justo, el riesgo de una nueva versión del mismo extractivismo sigue latente. Lo cierto es que la narrativa está cambiando, aunque el ritmo y alcance de esa transformación permanecen aún por escribirse.
